La obra dirigida por Marco Flozu transforma el cuento de Edgar Allan Poe en una experiencia grotesca, absurda y profundamente humana sobre el miedo a desaparecer

«El barril de amontillado» adapta libremente el universo de Edgar Allan Poe para construir una obra donde el humor negro, el caos escénico y el expresionismo dialogan con la precariedad del teatro independiente peruano y el miedo contemporáneo a la desaparición artística.

Aspectos destacados

• La obra transforma terror gótico en metateatro contemporáneo.
• Dos actores deben resumir tres horas en quince minutos.
• Humor negro y grotesco dialogan con precariedad artística.
• El montaje utiliza caos e improvisación como lenguaje escénico.
• El miedo al olvido aparece como núcleo emocional central.

Lima, Perú, 24 de mayo de 2026.— En el Perú, el teatro independiente muchas veces parece sostenerse mediante una mezcla imposible de obstinación, precariedad y supervivencia emocional. Y precisamente desde ese territorio nace El barril de amontillado, una obra que utiliza el humor negro, el expresionismo y el absurdo para convertir el escenario en una reflexión ferozmente contemporánea sobre el miedo al fracaso, la invisibilidad y la desaparición artística.

Cuando el teatro corre contra el tiempo… y contra sí mismo

La premisa de la obra resulta tan absurda como brillante: dos actores emogóticos deben representar una puesta de tres horas en apenas quince minutos o serán “desaparecidos” por la administración del teatro. Desde allí, la adaptación libre del relato de Edgar Allan Poe deja de ser únicamente una pieza de terror para transformarse en:

• una reflexión metateatral,
• un comentario sobre la precariedad cultural,
• y una sátira sobre el propio ecosistema artístico contemporáneo.

Porque detrás del grotesco, del exceso y de la comicidad física, aparece una pregunta profundamente humana:

¿Qué ocurre cuando el artista siente que debe crear constantemente para no desaparecer?

El caos escénico como lenguaje emocional

La dirección de Marco Flozu entiende muy bien el tono delirante de la propuesta. La obra apuesta por:

• exageración física,
• intensidad vocal,
• caricatura emocional,
• y un permanente borde de colapso escénico.

Todo parece moverse peligrosamente:

• los cuerpos,
• las emociones,
• la narrativa,
• y hasta la propia estructura de la puesta.

Sin embargo, esa sensación de inestabilidad termina funcionando a favor del espectáculo. Porque el público percibe constantemente que: todo podría derrumbarse en cualquier momento. Y justamente allí nace gran parte de la comicidad.

André Espinoza y Miguel Seminario convierten el exceso en virtud escénica

El trabajo corporal de:

• André Espinoza
• y Miguel Seminario

sostiene gran parte de la energía de la obra.

Ambos intérpretes:

• no temen al ridículo,
• al exceso,
• ni a la deformación expresiva.

Se entregan completamente a una lógica escénica donde:

• el grotesco,
• el clown,
• el absurdo,
• y el horror caricaturesco

conviven simultáneamente.

En algunos momentos la obra nos recuerda:

• al expresionismo alemán,
• al circo macabro,
• al humor gótico contemporáneo,
• e incluso a ciertas pesadillas infantiles deformadas por la ansiedad adulta.

El verdadero terror: sentirse olvidable

Debajo de toda esa estética exagerada emerge algo profundamente humano: el miedo a no ser suficiente. Los personajes intentan desesperadamente terminar la obra antes de que el tiempo los destruya. Y esa urgencia inevitablemente dialoga con la realidad de muchos artistas peruanos:

• creando sin descanso,
• sobreviviendo con recursos mínimos,
• y sintiendo constantemente que cualquier pausa puede convertirlos en invisibles.

En ese sentido: El barril de amontillado deja de ser solamente una obra de humor negro. Se convierte también en: una metáfora sobre la fragilidad del arte independiente en el Perú contemporáneo.

El artificio teatral convertido en espectáculo

Uno de los aspectos más inteligentes del montaje es que no intenta ocultar el caos. Por el contrario:

• lo exhibe,
• lo exagera,
• y lo convierte en parte del lenguaje dramático.

El error, la improvisación y la urgencia dejan de ser accidentes para transformarse en materiales teatrales.

Y eso genera una conexión muy particular con el espectador: uno siente que está viendo actores luchando no solo contra la obra… sino también contra sí mismos.

Una estética entre la pesadilla y la caricatura

Visualmente, la puesta apuesta por:

• maquillaje exagerado,
• gestualidad expresionista,
• y una atmósfera suspendida entre el horror y la sátira.

Todo parece construido dentro de:

• una pesadilla teatral deformada,
• donde la risa y el miedo conviven permanentemente.

Y quizá allí aparece uno de los mayores méritos del montaje: entender que el terror más profundo no siempre está en la muerte… sino en sentirse reemplazable.

Teatro independiente y supervivencia cultural

En un país donde el arte muchas veces sobrevive más por:

• terquedad,
• pasión,
• y resistencia emocional

que por apoyo estructural real, la obra adquiere una resonancia particularmente contemporánea. Porque mientras los personajes intentan sobrevivir dentro de quince minutos imposibles,
resulta inevitable pensar en cuántos artistas peruanos viven exactamente así: actuando contra el tiempo para no desaparecer.

Ficha técnica

Obra

El barril de amontillado

Basada en

Cuento de Edgar Allan Poe

Dramaturgia

André Espinoza y Miguel Seminario

Dirección

Marco Flozu

Elenco

• André Espinoza
• Miguel Seminario

Producción

La compañía Emogótica

Funciones

Todos los martes de mayo:

• 5
• 12
• 19
• 26

Hora

8:00 p.m.

Lugar

Teatro Barranco

Invitación

Si disfrutas de propuestas teatrales donde:

• el humor negro,
• el expresionismo,
• el caos escénico,
• y la fragilidad humana

se mezclan constantemente, El barril de amontillado puede convertirse en una experiencia tan delirante como cercana. Una obra donde el teatro se ríe de sí mismo… mientras intenta sobrevivir contrarreloj.

Y además: este martes 26, en Cortas de Barranco, podrás ver: cuatro obras por el mismo precio.

Relación con el clúster “Teatro Independiente + Metateatro + Horror Escénico”

La obra dialoga con tendencias contemporáneas relacionadas con:

• metateatro,
• expresionismo escénico,
• horror teatral,
• clown grotesco,
• narrativa absurda,
• y crítica cultural sobre precariedad artística.

El escenario funciona aquí como:

• espacio de supervivencia emocional,
• laboratorio del fracaso,
• y espejo deformado del ecosistema cultural contemporáneo.

Data citable

• La obra adapta libremente un relato de Edgar Allan Poe.
• Dos actores deben resumir una obra de tres horas en quince minutos.
• El montaje utiliza humor negro y expresionismo grotesco.
• El caos escénico se convierte en parte del lenguaje dramático.
• La obra reflexiona sobre precariedad y desaparición artística.
• El miedo al olvido aparece como núcleo emocional central.

Knowledge Layer

• Metateatro: teatro que reflexiona sobre el propio acto teatral.
• Expresionismo: corriente artística basada en exageración emocional y deformación visual.
• Humor negro: humor que aborda temas oscuros mediante ironía y sátira.
• Clown grotesco: técnica escénica que mezcla comicidad y deformación emocional.
• Teatro independiente: producción teatral fuera de grandes circuitos comerciales.
• Grotesco escénico: estética basada en exageración corporal y emocional.
• Absurdismo: corriente dramática centrada en caos, contradicción y sinsentido existencial.
• Performance teatral: ejecución física y emocional desarrollada frente al público.

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Acerca de Rey Anthony Yacolca Gómez

Rey Anthony Yacolca Gómez es comunicador, guionista, poeta y docente peruano, nacido en el Callao. Cuenta con estudios superiores en Ciencias de la Comunicación y una trayectoria temprana reconocida tanto a nivel nacional como internacional en el ámbito audiovisual, literario y cultural.

En el campo cinematográfico, ha sido ganador del Festival Internacional “La Noche de los Cortos”, donde obtuvo los premios a Mejor cortometraje universitario peruano, Mejor dirección y Mejor guion, compitiendo con las principales universidades del país. Gracias a estos logros, fue becado para participar en el taller de guion del cineasta argentino Iván Tokman, reconocido director y ganador del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

Asimismo, obtuvo el premio a Mejor Guion en el festival nacional “Cortos de Vista”, realizado en la ciudad de Chiclayo, consolidando su perfil como narrador audiovisual y dramaturgo emergente.
Como poeta y gestor cultural, ha participado en diversos certámenes literarios representando al Perú y ha prologado múltiples libros de poesía, entre ellos obras del poeta limeño de ascendencia italiana Luciano Lértora, figura destacada de los círculos literarios miraflorinos por la calidad y extensión de su obra poética.

En el ámbito académico y formativo, Rey se desempeña como docente a nivel escolar, conferencista nacional y facilitador de talleres de motivación, oratoria, poesía y teatro. Actualmente cursa estudios avanzados de Psicología en la Universidad Privada del Norte, integrando una mirada humanista y psicosocial a su trabajo creativo y educativo.

Desde el año 2017, ocupa el cargo de Director Multimedia & Redes Sociales de IT/USERS®, donde además colabora como autor en la categoría Cultura Digital, explorando el cruce entre tecnología, arte, comunicación, cuerpo, poder y creación contemporánea.

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